Il mistero divino si fa forma e luce nella pittura

del Beato Angelico,

padre nobile della pittura rinascimentale italiana 

Settant’anni dopo l’ultima grande mostra ai Musei Vaticani e al Museo di San Marco, il genio di Guido di Piero (Vicchio di Mugello, Firenze, 1395 circa – Roma, 1455), poi Fra Giovanni da Fiesole, ma universalmente noto come Beato Angelico (dal 1984 «patrono degli artisti»), torna protagonista assoluto di un percorso monografico, dove si affronta la produzione, lo sviluppo e l’influenza della sua arte e dei suoi rapporti con pittori come Lorenzo Monaco, Masaccio, Filippo Lippi, ma anche scultori quali Lorenzo Ghiberti, Michelozzo e Luca della Robbia.

Beato Angelico ha creato dipinti famosi per la maestria nella prospettiva, nell’uso della luce e nel rapporto tra figure e spazio. La mostra offre una occasione unica per esplorare la straordinaria visione artistica del frate pittore in relazione a un profondo senso religioso, fondato su una meditazione del sacro in connessione con l’umano.

L’esposizione riunisce tra le due sedi oltre 140 opere tra dipinti, disegni, sculture e miniature, provenienti da prestigiosi musei quali il Louvre di Parigi, la Gemäldegalerie di Berlino, il Metropolitan Museum of Art di New York, la National Gallery di Washington, i Musei Vaticani, la Alte Pinakothek di Monaco, il Rijksmuseum di Amsterdam, oltre a biblioteche e collezioni, private e pubbliche, italiane e internazionali.

Frutto di oltre quattro anni di preparazione, il progetto ha reso possibile un’operazione di eccezionale valore scientifico e importanza culturale, grazie anche a un’articolata campagna di restauri e alla possibilità di riunificare pale d’altare smembrate e disperse da più di duecento anni i varie parti del mondo.

Al centro della mostra, la prima ricostruzione «in presenza» della Pala di San Marco (1438-1442), rimossa dall’altar maggiore di San Marco (per il quale Cosimo de’ Medici l’aveva commissionata), poi smembrata e infine dispersa in più musei (la stessa passione per Beato Angelico che avrebbe conquistato Botticelli, Lippi, Chagall e persino Goethe alimentò anche un mercato di smembramenti e vendite più o meno leciti). La Pala ritrova qui 17 dei suoi 18 elementi: in origine tutti inseriti in un supporto ligneo che la mostra restituisce in forma di profilo disegnato.

La Pala ricomposta si conferma capolavoro di straordinaria intensità spirituale e innovazione stilistica, rivelando tutte le sfumature del suo linguaggio e del suo significato simbolico, offrendo al pubblico un’esperienza contemplativa di rara profondità.

L’origine della Pala si lega agli anni cruciali della Firenze del Quattrocento, un periodo caratterizzato da un forte rinnovamento culturale e spirituale, in cui la committenza medicea e il convento di San Marco si intrecciano in una strategia di affermazione identitaria. Commissionata da Cosimo de’ Medici (è lui il personaggio inginocchiato davanti alla Madonna che nella tavola centrale guarda lo spettatore), la Pala non doveva limitarsi a essere un elemento devozionale: evocava, più che altro, un messaggio politico-culturale, una sorta di manifesto della nuova identità medicea e un tributo alla spiritualità domenicana. Per questa ragione, la scelta del Beato Angelico risponde alla volontà di coniugare rigore iconografico e sensibilità religiosa.

La mostra ha avuto, tra gli altri, il merito d’offrire al pubblico, nella prima sala di Palazzo Strozzi, una sorta di ricostruzione ideale della chiesa di Santa Trinita del primo Quattrocento, quando chiunque vi fosse entrato avrebbe visto tre sbalorditivi capolavori del primo scorcio del XV secolo, ovvero l’Annunciazione di Lorenzo Monaco, l’Adorazione dei Magi di Gentile da Fabriano e la Deposizione del Beato Angelico, tre opere oggi tutte conservate in luoghi diversi, per quanto tutti a Firenze (l’Annunciazione è rimasta in Santa Trinita, l’Adorazione è agli Uffizi e la Deposizione è custodita al Museo di San Marco).

Santa Trinita è un episodio fondamentale per comprendere gl’incroci dell’arte fiorentina del primo Quattrocento, sospesa tra permanenze trecentesche (il gusto tardogotico era ancora imperante, malgrado si fosse già compiuta la rivoluzione rinascimentale di Masaccio) e aperture radicali al nuovo. E nel giro di poco più di dieci anni la chiesa s’era riempita con questi tre capisaldi dell’arte fiorentina.

Chi visita la grande mostra non dovrebbe far l’errore di trascurare la sezione allestita al Museo di San Marco, benché il grosso dell’esposizione si concentri nelle otto sale di Palazzo Strozzi. Interessante rilevare come questo sdoppiamento rifletta, in certo modo, le due anime della committenza che ha sempre sostenuto il lavoro del Beato Angelico: quella religiosa da una parte e quella laica dall’altra. 

La sezione allestita nel Museo di San Marco, in realtà divisa in due parti (il primo capitolo, sugli esordî dell’artista, e poi la porzione sistemata in Biblioteca che sonda la produzione dell’Angelico miniatore), è un’eccellente introduzione che offre l’opportunità di comprendere le origini dell’universo pittorico dell’artista toscano.

Tra i lavori della prima fase considerati capisaldi figurano in mostra la Crocifissione Griggs del Metropolitan Museum, opera densa di rimandi a Masolino e a Ghiberti; la finissima Madonna col Bambino in trono e dodici angeli dello Städel Museum ch’è esposta di fianco a una sua copia eseguita da Andrea di Giusto (così chiunque può percepire la differenza tra un ottimo artista come Andrea e un fuoriclasse come il Beato Angelico); e infine la Crocifissione tavola tra le più squisite della sua produzione giovanile, esposta in Italia per la prima volta, la cui presenza costituisce uno dei momenti più alti della mostra fiorentina.

Al pari di quello cui s’assiste subito dopo: lo straordinario confronto tra il Trittico di san Pietro Martire del Beato Angelico, per la prima volta riunito alla sua predella, e il Trittico di san Giovenale di Masaccio, eccezionale prestito del Museo d’Arte Sacra di Reggello che consente di vedere appaiati due padri del Rinascimento fiorentino.

E se Masaccio è stato il rivoluzionario, il Beato Angelico è stato il primo artista a capire la portata di quella rivoluzione: il Trittico di san Pietro Martire è una delle prime opere a condividere alcune delle innovazioni masaccesche.

Sono state riunificate alle pale d’altare, grazie a numerosi prestiti internazionali che hanno impegnato i curatori della mostra in ricerche durate anni, numerose predelle che erano disseminate in vari musei e collezioni private del mondo e per alcune sono stati fatti importanti restauri.

Buona parte della produzione dello stesso periodo è stata radunata per accostamenti talora molto suggestivi: è il caso dei “volti santi”, straordinaria sequenza, uno degli apici della mostra, che mette in fila, accanto al Cristo come Re dei Re del Duomo di Livorno, una serie di opere omologhe, da Dieric Bouts a Benozzo Gozzoli e Benedetto Bonfigli, per dimostrare come, da un lato, l’iconografia angelichiana si rifacesse a modelli nordici, e dall’altro come avesse stabilito una sorta di paradigma, un’immagine immediata ch’era diventata strumento di preghiera capace d’una certa diffusione.

Le quattro tavole con la testa di Cristo sembrano dialogare direttamente con lo spettatore rendendolo partecipe direttamente del mistero divino. Da notare anche gli affascinanti minuziosi dettagli dell’acconciatura e della barba dei vari Cristo.

Una pala come quella dell’Incoronazione in prestito dagli Uffizi, col suo tripudio di santi che paiono quasi galleggiare nella luce dorata, convive con il Giudizio universale che può esser considerato, fa notare Strehlke, uno dei curatori della mostra, “uno dei primi esperimenti di prospettiva del pittore”, con la successione delle tombe vuote che s’impone come “un’affermazione […] del risorgere dei morti alla fine dei giorni”, una “linea retta in cui tutte le curve cessano di esistere come espressione della natura infinita del divino”.

Alcuni importanti lavori degli anni Trenta, a cominciare dall’Annunciazione di Montecarlo, altro eccezionale prestito, così come il Trittico di Cortona e la Pala di Perugia, sono stati invece radunati in una sala interlocutoria dedicata alle “grandi committenze”.

Le ultime due sale seguono, secondo un iter cronologico più rigoroso, le ultime fasi dell’attività del Beato Angelico: ecco allora il periodo di Roma, dove il pittore era stato chiamato da papa Eugenio IV rimasto affascinato dagli affreschi di San Marco (spicca, in questa sezione, uno dei capolavori di quegli anni, il Trittico del Giudizio universale, che si può ammirare assieme a una delle composizioni più raffinate dell’ultimo Angelico, la Madonna col Bambino e santi del Museum of Fine Arts di Boston, un altro dei motivi per vedere la mostra.

Una mostra quindi che ha la volontà di sondare i tanti aspetti d’un pittore tra i più versatili del Rinascimento con tanti meriti, tra i quali andrebbero menzionati sicuramente gli allestimenti su fondali celesti, sia a Palazzo Strozzi che a San Marco, che esaltano la luce delle opere, l’ottima illuminazione, il catalogo dettagliato, minuzioso e aggiornato.

Si tratta, del resto, della più completa rassegna di sempre sul Beato Angelico, frutto d’un impegno pluriennale, che a settant’anni esatti dalla prima e sin qui ultima monografica su di lui, è stata in grado di radunare la più vasta mole di materiale autografo del grande pittore (e per di più con diversi capolavori di molti comprimari) nei luoghi che più gli sono vicini: il convento dove lavorò per diversi anni e il palazzo fatto costruire dai discendenti di uno dei suoi più illustri committenti. Difficile poter rivedere qualcosa di simile in un futuro immaginabile.